Text zu „neworks“ (20. Januar 2023) von Adèle Aïssi-Guyon, ins Deutsche übersetzt von Auro Orso

 

 

Am Freitag, dem 20. Januar 2022, habe ich im Rahmen von "neworks" das Stück "STEEL" von Kristina Dreit gesehen. Das Stück befasst sich mit Stahl als Materie, aber auch mit all den sozialen und geschlechtsspezifischen Bildern, die damit verbunden sind: Stahl ist ein Metall, das an harte Handarbeit, Männlichkeit, Arbeiterjobs und das Industriezeitalter erinnert. Was passiert, wenn eine Gruppe von weiblich-sozialisierten Künstlerinnen und Performerinnen - Kristina Dreit, die künstlerische Leiterin, zusammen mit Yi-Ju Chou als Bühnenbildnerin und den beiden Performerinnen Julia Mülllner und Camilla Schielen - ein solches Thema aufgreift und eine körperliche Erkundung dazu unternimmt? Wo tauchen die Parallelen und Widersprüche auf? Stahl ist paradoxerweise ein sehr vielseitiges Material, was es zu einer interessanten Quelle für Erkundungen macht: Es kann sowohl eines der härtesten und festesten Metalle sein, als auch bei einer sehr hohen Temperatur flüssig.

Dieser Zustand und ganz allgemein der Prozess des Schmelzens prägt die Bewegungsqualitäten der Tanzenden während des gesamten Stücks. All diese sehr unterschiedlichen und doch eng miteinander verbundenen Elemente kommen in der Aufführung zusammen, die sich einem Material aus verschiedenen Perspektiven nähert.

 

Während der gesamten Aufführung ist die Bühne durch eine Linie aus Kerzenhaltern vom Publikum getrennt. Gleich zu Beginn wird eine Kerze nach der anderen langsam angezündet, wodurch eine Art Zaun aus Metall und Licht entsteht. Während des gesamten Stücks werfen die Kerzen bewegte Schatten auf die Performenden und schmelzen immer weiter, und das ganze Stück ist zwischen diesen schwarzen, verschiedenen Linien der Kerzenhalter zu sehen.

 

Die Performenden erscheinen nacheinander auf der Bühne oder tauchen aus dem Publikum auf, um eine Pose einzunehmen und Texte zu lesen, allesamt Buchstaben, von denen jeder ein zweites Mal wiederholt wird. Einen von ihnen erkenne ich sofort. Es ist der Einführungsbrief zu "Stone Butch Blues", einem Roman der Autorin und Gender- und kommunistischen Aktivistin Leslie Feinberg - ein Buch, das ich nie vergessen werde und das sich umfassend mit der Verflechtung von Prekarität und Armut der Unterschicht mit lesbischen und Trans-Identitäten beschäftigt. Obwohl es in dem auf der Bühne gelesenen Auszug nicht offensichtlich ist, stellt er für mich eine direkte Parallele zum Stück dar, weil er die Verbindung zwischen den Arten von Werken, die mit Stahl und queeren oder feministischen Themen verbunden sind, ankündigt.

 

Und tatsächlich beginnen die beiden Hauptfiguren (Julia und Camilla) ein langes Duett, in dem diese verschiedenen Dimensionen deutlich hervortreten und gleichzeitig evokativ bleiben, nachdem sie begonnen haben, eine Musik von ihrem Telefon zu spielen. Sie arbeiten zwischen ondulierenden, fließenden Bewegungen und Posen, die nach und nach lebendig werden. Langsam verwandelt sich diese Stille in Spannung, oder eine Hand beginnt zu vibrieren, die Haltungen werden zu Gesten, wie Statuen, die lebendig werden. Die Posen können sehr männliche Haltungen, ruhende Positionen oder abstraktere Formen darstellen. Das Oszillieren zwischen Bewegung und Stille, Spannung und Loslassen entwickelt sich und verweist sowohl auf mögliche geschlechtsspezifische Assoziationen rund um die Arbeit, Rauheit und Weichheit oder Legatobewegungen als auch auf den Kontrast zwischen dem harten Material und geschmolzenen oder schmelzenden Zuständen.

 

Die Aufführung bildet eine sich ständig verändernde Schleife, die mit Wiederholungen und Veränderungen, mit Variationen von Orientierungen und Dimensionen spielt. Die Texte werden zweimal gelesen, aber von verschiedenen Interpreten. Die Musik, die sich immer wieder wiederholt, ertönt zunächst aus einem Telefon und wird dann über die Lautsprecher verstärkt. Die Posen und Bewegungen der beiden Tanzenden kehren an verschiedenen Stellen der Bühne wieder, mit unterschiedlichen Ausrichtungen, Verzögerungen oder Synchronisationen, wodurch unterschiedliche Raumbilder entstehen. Auch das Auftauchen und Verschwinden anderer Teammitglieder, die nur kurz die Bühne betreten, spielt in diesem Prozess eine Rolle. All diese Elemente sind an der Metapher des Verschmelzens und der Zustandsveränderung ebenso beteiligt wie die entwickelte Bewegung der Ondulation.

 

Dann kommt es zu einer Wende in der Performance, als das Licht progressiv angeht und die anderen Performenden die Bühne betreten. Es beginnt eine humoristische Szene: Während jede von ihnen ihren Oberkörper auf ihre eigene Art und Weise onduliert, sprechen ihre aufgenommenen Stimmen miteinander und führen einen Dialog über die richtige Art und Weise, diese Bewegung auszuführen - kommt sie aus der Brust? Aus den Hüften? Aus den Schultern? Es ist ein metaperformativer Moment, der uns daran erinnert, wie sehr das Fließen dieses transformativen Zustands auch eine Form von Arbeit ist, die es mir erlaubt, die Dichotomie von Arbeit und Loslassen, Weichheit und Härte, Rauheit und Sinnlichkeit, Steifheit und Geschmeidigkeit zu überwinden. Am Ende des Dialogs beginnen sie eine kleine Choreografie, die an Popmusik oder Filmclips von Boybands erinnert, während sie ihre Oberkörper in Wellen bewegen. Das Thema Stahl wird in der Tat mit verschiedenen tänzerischen Qualitäten und Techniken verknüpft: Die Arbeitsvorgänge, so abstrakt sie auch geworden sind, werden als Bewegungsmaterial genommen und zu einer zeitgenössischen Ästhetik verschmolzen, die dann in diesem Moment von der Ästhetik der Popmusik unterbrochen oder vielmehr ergänzt wird.

 

Nach diesem Moment setzen sich die beiden Performerinnen, die hinzugekommen sind - Kristin und Yi-Ju - auf den Boden und sehen zu, wie Julia und Camilla die Kerzenhalter an verschiedenen Stellen auf der Bühne platzieren. Sie nehmen noch ein paar Posen ein und setzen sich dann wieder, wie zu Beginn. Die Aufführung endet in dieser ruhigen Umgebung, in der sich die Bühne sowohl geöffnet hat als auch durch die Verschiebung der Kerzenhalter aufgebrochen wurde, und die vier Performenden auf der Bühne scheinen sowohl abgeschlossen zu haben als auch auf eine neue Runde, einen neuen Anfang zu warten.

 

 

On Friday, January 20th, 20223 I went to see «STEEL», by Kristina Dreit, in the frame of «neworks». The piece deals with steel as a matter, but also with all the social and gendered images associated with it: steel is a metal that evokes hard manual work, masculinity, working class jobs, the industrial era. What happens when a group of female-socialized artists and performers – Kristina Dreit, the artistic director, together with Yi-Ju Chou as a scenograph and the two performers, Julia Mülllner and Camilla Schielen – seize and capture such a topic and undertake a bodily exploration of it? Where do the parallels and contradictions emerge? Steel is also, paradoxically, a very versatile material, which makes it an interesting source of exploration: it can be both one of the hardest and most solid metals, and liquid at a very high temerature. This state, and more generally the process of melting, informes the movement qualities of the dancers throughout the piece.

All of these very different and yet closely related elements come together in the performance, which approaches one material through various perspectives.

 

During the whole performance, the stage is separated from the audience by a line of candle holders. In the very beginning, one performer lights them up one by one, slowly, creating a sort of fence of metal and light. Throughout the piece, the candles project moving shadows of the performers and keep melting, and the whole piece is to be seen inbetween those black, various lines of the candle holders.

 

The performance then continues with the performers appearing on stage or popping up out of the audience one after the other to take a pose and read texts, all of them letters, each of them repeated a second time. I immediately recognize one of them. It is the introduction letter of «Stone Butch Blues», a novel written by the author and gender and communist activist Leslie Feinberg – a book that I will never forget and that widely deals with the intertwinement of the precarity and poverty of the lower class with the lesbian and trans identities. Although it is not obvious in the excerpt read on stage, it directly draws a parallel to the piece for me, because it announces the connection between the types of works associated with steel and queer or feminist issues.

 

And indeed, after starting to play a music from their phone, the two main dancers (Julia and Camilla) begin a long duet where these different dimensions appear clearly while remaining evocative. They work between ondulating, flowing movements, and poses that become alive little by little. Slowly, this stillness turns into tension, or a hand starts to vibrate, the postures become gestures, like statues becoming alive. The poses can evoke very masculine postures, resting positions, or more abstract shapes. The oscillation between movement and stillness, tension and release develops, referring both to possible gendered associations around work, roughness and softness or legato movements and to the contrast between the hard material and melted or melting states. 

 

The performance builds as an ever changing loop that plays with repetition and change, with variations of orientations and scales. The texts are read twice, but from different performers. The music, repeated over and over, starts playing from a phone and then gets amplified through the speakers. The poses and movements of the two dancers come back in different spaces of the stage, with different orientations, delays or synchronizations, creating different spatial images. The appearance and disappearance of other team members that only briefly enter the stage also play a role in this process. All these elements participate in the metapher of melting and change of state just as much as the movement of ondulation that is developed.

 

Then, a shift appears in the performance, as the lights turn on progressively and the other performers enter the stage. A humoristic scene starts: while each of them is ondulating their torso in their own way, their recorded voices talk to each other and have a dialogue about the right way to enact this movement – is it coming from the chest? The hips? The shoulders? It’s a metaperformative moment that reminds us how much the fluidity of this transformative state is also a form of work, which allows me to pass beyond a dichotomy of work and release, softness and hardness, roughness and sensuality, stiffness and smoothness. As the dialogue finishes, they start a little choreography, reminding the ones of pop music or boysband movie clips, while they keep moving their upper bodies in waves. The topic of steel is, in fact, linked with different dance qualities and techniques: the working actions, as abstract as they have become, are taken as movement material and blended into a contemporary aesthetic, which is then, at this moment, dirupted or rather supplemented by the pop music aesthetics.

 

After this moment, the two performers who joined – Kristine and Yi-Ju – go sit on the floor watching Julia and Camilla place the candle holders on different places on stage. They take a few more poses, then sit again, like in the beginning. The performance ends in this quiet environment, where the stage has both opened up and been broken down by the displacement of the candle holders, and the four performers on stage seem to be both done and waiting for a new round, a new beginning.